En el mundo en constante expansión de las colaboraciones entre artistas y marcas, Sky Gellatly, de 44 años, ha operado como un secreto celosamente guardado. Los conocedores del mundo de la moda y el arte pueden acreditarlo como un hábil mediador entre artistas y marcas de moda deseosas de explotar asociaciones potencialmente lucrativas. Pero, hasta ahora, ha permanecido prácticamente fuera del radar.
Hace ocho años, Gellatly y su socio de toda la vida, Nikli Gozijan, fundaron ICNCLST, una agencia de Nueva York que forja conexiones entre marcas de alto perfil, incluidas Nike, Marc Jacobs, Tommy Hilfiger, Comme des Garçons, Louis Vuitton y el fallecido Virgil Abloh, y el mundo del arte. Figuras destacadas, como Takashi Murakami y el grafitero Leonard McGurr, conocido como Futura.
Los acuerdos recientes incluyen una colección cápsula de moda de Air Jordan, la tienda MoMA Design y la artista Nina Chanel Abney; Una colaboración entre Moncler, la marca italiana de ropa exterior de lujo, y el artista Rostarr (Romon Kemin Yang); Y no menos importante, el LVMH Sneaker Show organizado por Gellatly.
Este otoño, colaboró con Jacobs para conceptualizar “Just Like Heaven”, una exposición colectiva que destaca el trabajo de algunos de los colaboradores de Jacobs desde hace mucho tiempo: Sofia Coppola, Marilyn Minter y Damien Hirst y sus poderosas obras como Control Gallery en Los Ángeles. Socio de Gellatly.
Este año se está trabajando en una impresión colaborativa entre Futura y el artista y diseñador de moda japonés Verdi, que se venderá en línea; se asoció con el artista Devon Turnbull, fundador de la empresa de audio Ojas, para una sala de escucha en Detroit; Muchas de las colaboraciones con Nike están centradas en el Mundial de 2026.
En su mayor parte, Gellatly parecía contento con dejar que sus clientes ejercieran su poder estelar mientras él trabajaba detrás de escena. Ha seguido este patrón con Futura, produciendo colaboraciones artísticas con Louis Vuitton, los Mets de Nueva York, Comme Des Garçons, Beats by Dre y Noguchi, así como proyectos en Miami Art Basel el mes pasado.
Los visitantes de Basilea podrán reconocer Futura, que fue el tema de “Futura 2000: Éxodo”, una retrospectiva que se exhibirá hasta el 30 de marzo en el Museo del Bronx. Era poco probable que distinguieran a Gellatly mientras deambulaba entre la multitud en la recién instalada tienda de regalos Art Basel en el Centro de Convenciones de Miami. Estuvo allí para celebrar la presentación del FL-001 Mini Pointman, una réplica del tamaño de un juguete de la escultura a gran escala más icónica de Futura, una figura alienígena de aspecto amenazador.
Los visitantes corrieron hacia Futura, pero Gellatly mantuvo su misteriosa presencia. Llevaba chaqueta y pantalón negros de Uniqlo, un uniforme modesto que decía ser excéntrico.
Y así es como le gusta.
«Soy introvertido», dijo Gellatly en una entrevista a finales del otoño pasado. Estaba sentado en una mesa de conferencias en su estudio en TriBeCa, un espacio libre de desorden excepto por recuerdos de colaboraciones con Kaws, Krink, Abney y otros, agrupados por todas partes. Llevaba una sudadera con el logo de la Universidad de Columbia, donde es profesor asistente adjunto en la Escuela de Graduados en Arquitectura.
En la entrevista a continuación, que ha sido editada y condensada, Gellatly habla sobre un momento formativo en Oprah, “luchar la buena batalla por los artistas” y más.
Parece que ha mantenido deliberadamente un perfil bajo a lo largo de su carrera. ¿Por qué es esto?
No soy estrictamente un vendedor. Me considero a mí y a mi equipo un espejo de los creativos con los que trabajamos. Queremos reflejarles el potencial que tienen y mantenerlos concentrados. Claro, les traigo oportunidades. Pero buscamos proyectos que me impacten.
Ha elegido un camino poco convencional hacia los mundos del arte y las marcas de alta gama. ¿Qué te impulsó en esta dirección?
Crecí en Hopewell Junction, en el norte del estado de Nueva York, en la cima de una cadena montañosa, rodeada de bosques. Éramos una familia con inclinaciones artísticas. Mi padre aspiraba a una carrera en las artes, pero empezó a trabajar en el puerto de York como capitán de un buque cisterna costero. Mi madre era maestra. Tenía unos 30 años y tenía un horno en casa y hacía cerámica.
En casa teníamos muebles Shaker y lámparas Noguchi, y un grabado de Keith Haring que mis padres compraron en los años 80. Siento que mucho de lo que hago es de alguna manera una continuación de las cosas que les interesaban, las cosas en las que crecí.
¿Qué te convirtió en un amante de la moda?
Mi madre tenía una suscripción a la revista Interview. Ella cose mucho y me hizo algunas prendas cuando yo era pequeña. El sábado por la mañana estábamos viendo desfiles de moda en la televisión. Esas cosas están grabadas en mi mente.
Más tarde, después de graduarme de la universidad, estaba en casa viendo ópera con ella. Parte del espectáculo pasa al estudio de Marc Jacobs. En ese momento, es posible que hayas comprado un par de zapatillas o una camiseta de Mark. Y pensé: «Oh, así es como se ve el estudio de una persona creativa». Eso dejó una impresión.
Pasó las primeras etapas de su carrera en la intersección de la edición y el marketing, trabajando en la revista Complex y editando en la revista MTV y la revista Details. Dirigí marketing en Hypebeast. ¿Cómo te afectó ese trasfondo?
Vi que la “alta cultura” de los medios impresos de repente tuvo que coexistir con los medios digitales. Sentí que pronto viviríamos en una era en la que la interseccionalidad constante se convertiría en la nueva norma. Todo debería convertirse en una narrativa nueva o conversacional en lugar de una declaración inteligente en un comunicado de prensa.
¿Qué te dice que la colaboración podría tener éxito?
Se trata de sentimientos compartidos. Una marca como Nike querrá crear un calzado de alto rendimiento con un beneficio funcional. Pero Nike adoptará una visión holística de un socio potencial, reconociendo, por ejemplo, que un artista puede ser a la vez creador y corredor, y también podría ser DJ. Un producto tiene éxito cuando la marca proporciona una plataforma o narrativa que refleja algo del lado humano del artista, algo que se desconoce.
Un ejemplo de esto es Futura. Como neoyorquino, fue fanático de los Mets de toda la vida y tenía un boleto de temporada para los juegos. Me dijo que sería un sueño para él trabajar con los Mets.
Terminó haciendo una gorra de béisbol colaborativa para los Mets con la camiseta y el muñeco. Estaba emocionado de hacer el primer lanzamiento del juego con su hijo. Con esto le estaba diciendo a sus fanáticos: “Amo el béisbol tanto como ustedes. Escucho a los Mets en la radio cuando dibujo.
¿Quién es el consumidor potencial de este tipo de bienes?
Mi hijo de 14 años, por ejemplo. Para su generación, las asociaciones artísticas y de marca son la norma de facto. Desde la perspectiva de un joven, ¿por qué un artista no tendría su propiedad intelectual en un videojuego y al mismo tiempo en una zapatilla?
He construido relaciones duraderas con artistas y diseñadores, incluido el innovador de ropa de surf Sean Stussy, Murakami y Abloh, amigo y colaborador frecuente de Louis Vuitton. ¿Qué funciona para ti, además de las exageraciones obvias?
Me atraen principalmente las personas que creo que han creado un movimiento. Algunos son amigos. Algunos de ellos fueron mis mentores. Mi interés es compartir un momento de vida con ellos.
Una de mis experiencias más transformadoras fue la primera vez que fui al estudio de Takashi hace dos años en Japón. Está en una antigua fábrica de automóviles que fue destruida. Ni siquiera puedes comprender el tamaño del lugar, el nivel de organización y creatividad. Es casi como Walt Disney.
Mi amistad con Takashi fue particularmente inspiradora. el me dio
Algunos tipos de conversaciones con mentores.
¿Por qué un artista de esta talla se sentiría cómodo trabajando contigo?
Durante mucho tiempo, a los artistas conocidos se les disuadió de emprender proyectos comerciales, advirtiéndoles que podrían disminuir su valor o estatus. Algunos de ellos me dijeron: “Claro, muchas marcas se acercaron a mí, pero mi galería rechazó, sin avisarme”.
Algunos de nuestros artistas están más interesados en trabajar en un mundo igualitario. Quieren fabricar productos que les gusten a los niños y que les recuerden a ellos mismos cuando eran adolescentes. Desde la perspectiva de las redes sociales, es posible que también quieran que la asociación con la marca les proporcione un megáfono más grande.
¿Se ve a sí mismo como una especie de filántropo?
Creo que estamos librando una buena pelea por los artistas. Históricamente, ha existido el concepto de que una galería es dueña de un artista. La mitad de lo que gana el artista vuelve a la galería. Se trata de una cantidad desproporcionada.
¿Qué hay para la marca?
Existe un prestigio o reconocimiento compartido de que la marca y el artista u organización artística son líderes en sus campos. Hace tres meses lanzamos una colección de calcetines Nike con el MoMA y el logo de Nike. Esta cláusula se refiere al respeto mutuo entre socios y es un apretón de manos metafórico. Se vendieron miles de pares de calcetines.
¿Cuántos empleados se necesitarían para cerrar un trato como éste?
Tenemos unas 20 personas en Nueva York y otras 20 en Los Ángeles. Nuestro objetivo es convertirnos en la primera agencia integrada verticalmente para artistas, desde la concesión de licencias hasta el trabajo curatorial. Muchos de estos tipos de apoyo han sido comunes para actores, atletas y músicos desde siempre. Pero para los artistas esto es nuevo.
